Crítica: Vivre sa vie

03_Vivre sa vie
(Según los criterios de Paul Schrader para la creación de un canon cinematográfico).

Vivre Sa Vie, película de Jean-Luc Godard del año 1962, es una extraordinaria obra cinematográfica que aúna filosofía, arte, teatro y realidad.

Tradición

Planteada en 12 cuadros, haciendo referencia a lo pictórico y teatral, evidencia constantemente la existencia de una representación, rompiendo con las convenciones cinematográficas establecidas hasta el momento en el cine clásico. Como una de las grandes propuestas del momento y siendo el director uno de los máximos representantes del movimiento cinematográfico conocido como la Nouvelle Vague, la película es una clara muestra del desencanto predominante en los jóvenes de la época, que querían romper con toda una tradición, buscar nuevas maneras de expresarse y reflejar historias de personajes perdidos, en constante deambulación y cuestionamiento existencial.

De esta manera, la protagonista mira a cámara, interpelando directamente al espectador (como en el penúltimo cuadro, en la conversación que tiene en un bar con el filósofo del lenguaje Bruce Parain – aproximándose a él como a un cliente más – donde parece querer preguntarnos “y vosotros, ¿qué opináis?”) y la realización es del todo sorprendente, original y radical respecto a lo hecho hasta el momento, rompiendo el tradicional plano-contraplano y apostando por el encuadre de espaldas, la superposición de figuras o bruscas y evidentes panorámicas.

En cuanto a la temática, el filme explica la historia de una joven parisina, Nana (Anna Karina), que decide dedicarse a la prostitución. Es un personaje perdido, que no tiene dinero, que parece condenado desde el principio (destacar el PPP en tres partes de Karina en los créditos iniciales, a modo de fotografías policiales: lateral derecho, frontal, lateral izquierdo; o el pasaje de cine mudo del último cuadro, que nos recuerda a los fotogramas vistos anteriormente en el cine de La pasión de Juana de Arco, justo antes de su asesinato). Nana, sin embargo, se postula como responsable absoluta de sus acciones, como demuestra en la disertación con su amiga en la cafetería, momento antes de volver a escuchar los acordes de la banda sonora y presenciar el encantamiento de Karina ante una pareja de enamorados. Para la protagonista, el hecho de decidir prostituirse es también un acto de libertad, huyendo de un discurso más determinista, y aludiendo a esa liberación tan ansiada y buscada por los cineastas del momento.

Belleza. Viewer engagement

Aunque la aparente narración hace referencia a la historia de una joven francesa en la sociedad de la época, la película nos habla de mucho más y se plantea como una pregunta abierta sobre la existencia. El pensamiento, el lenguaje, el amor, la apariencia o la esencia, cómo encontrar las palabras adecuadas, la mentira y el error, la entrega o sumisión de los cuerpos… En los 80 minutos que dura la cinta, una lluvia de conceptos e interrogantes empapa completamente al espectador, el cual es incapaz de permanecer pasivo ante tal avalancha de ideas. Cada visionado es una experiencia intelectual, siendo la historia un pretexto para dialogar con el espectador sobre temas existenciales profundos y ofrecerle la posibilidad de modificar su visión del mundo con cada cuestión planteada.

Unidad forma/fondo

Hablar de la composición de la realidad a través de la construcción de un puzle perfecto en forma de cuadros, donde todas sus piezas encajan a la perfección pero a la vez son movibles y permiten la introducción de nuevas, haciendo referencia a elementos pictóricos, filosóficos, tradicionales, históricos y a una temática eterna inherente a la humanidad. La obra de Godard es de una coherencia total y se construye y se reescribe con cada visionado, dando al espectador la posibilidad de establecer conexiones con elementos de su cultura y de su pensamiento.

Muestra de ello es el último cuadro, la culminación de la historia y del personaje, dividido en dos partes diferenciadas: el clímax de la existencia y la muerte. La primera parte se construye sobre la cotidianidad de una pareja enamorada (él lee en voz alta y ella propone planes para el día) para ramificarse enormemente en todos sus significados: el cine dentro del cine (la reconstrucción en forma de premonición de fotogramas mudos, vistos anteriormente en la obra de Dreyer) y la literatura como historia universal y, en este caso, como reflejo casi exacto de la realidad (la lectura de El retrato oval de Poe, donde el pintor acaba absorbiendo la esencia de su modelo hasta provocarle la muerte, se hace en paralelo a que el amante mire a la protagonista, en la escena previa a ser asesinada, y a la vez que el propio Godard filme detenidamente a su musa). Por último, la liberación mencionada anteriormente en la sala de butacas a la que asiste Nana: la muerte como final a una existencia confusa, falta de esperanza pero a la vez rebelde y, en última instancia, libre.

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Author: Vanessa LP

Llicenciada en Comunicació Audiovisual per la Pompeu Fabra, la meva trajectòria professional s’ha encaminat més cap a la comunicació corporativa, tant en l’àmbit públic com en el privat. No obstant això, la meva passió pel cinema ha fet que sempre estigui connectada amb l’actualitat audiovisual i la seva pràctica, a través de formació en Anàlisi de Guió i Crítica Cinematogràfica, la col·laboració en projectes audiovisuals i la participació en certàmens i festivals. Vaig formar part del Jurat Jove del Festival de Sitges l’any 2013 i, més recentment, del Festival Americana el 2017. Al 2009 vaig col·laborar en l’espai web enelcine.es escrivint crítiques de forma setmanal i des de març de 2017 col·laboro a la revista de cinema El Cinèfil, amb textos sobre llargmetratges i curtmetratges. Sigui en format curt o llarg, considero que el cinema és una eina profundament poderosa per a transmetre idees, emocionar i reflexionar sobre la nostra realitat.

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