Crítica: Mulholland Drive

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(Crítica partiendo de la propia experiencia para con la película).

Quince años atrás, en la cola del cine con dos amigos de toda la vida, escogía Mulholland Drive como película. Era mi primer año de estudios de Comunicación Audiovisual y evidentemente estaba ansiosa por ver otro tipo de cine, en este caso la nueva obra del genio Lynch. Ése fue un día memorable que recordamos a lo largo de mucho tiempo, ya que fue literalmente la última vez que me dejaron escoger película en el cine. Años después regalamos el DVD del film a uno de los amigos por su cumpleaños como inside joke, ya que estoy segura que, aunque lo conserva, nunca lo ha vuelto a visionar.

¿Pero qué no has llevado a ver?” “La escena de las chicas está bien, pero no hemos entendido nada”. Yo sinceramente tampoco entendí mucho, pero aun así salí completamente fascinada del cine. ¿Es necesario entender la obra para que ésta sea buena? Para mí el arte – y el cine como tal – no debe interpelar siempre, o exclusivamente, al intelecto del observador, por el simple hecho que como personas no somos solo razón sino emoción y un sinfín de complejidades más. Mulholland Drive es sin duda una película que atrapa y mantiene al espectador flotando, encandilado y absorto, en su universo de múltiples realidades en sus casi dos horas y media de duración.

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Análisis: Martin Scorsese

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Análisis de la filmografía de Martin Scorsese a través de Goodfellas y Gangs of New York.

Goodfellas, 1990, y Gangs of New York, 2002; dos películas representativas del cine de Martin Scorsese. Dos películas con un protagonista masculino, aparentemente decidido, sustancialmente solitario e irremediablemente imperfecto. La subida al clímax de su existencia para bajar después en caída libre hacia un final anunciado: la vuelta al anonimato de la masa. Y la representación de una minoría, una familia, una parroquia, en medio de la inmensidad de la diversidad.

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Crítica: Elle

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Sobre negro, el ruido de unos cristales rompiéndose es seguido por unos gemidos que, segundos más tarde, relacionamos con unos golpes. Suena música clásica y antes de poder percibir como espectadores la acción que se nos expone a través del sonido, el plano de un gato, falto de expresión, que es testigo impasible de los hechos. En la primera escena, en apenas 20 segundos, los dos grandes ejes que nos plantea la película, sexo y muerte como impulso primitivos, nos son expuestos.

Elle, la nueva película de Paul Verhoeven, se construye como una exploración de los límites de la naturaleza humana, tanto a nivel de personajes como a nivel del espectador, quien es testigo de hechos desagradables e incomprensibles en un discurso expuesto con la mayor naturalidad.

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Crítica: Vivre sa vie

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(Según los criterios de Paul Schrader para la creación de un canon cinematográfico).

Vivre Sa Vie, película de Jean-Luc Godard del año 1962, es una extraordinaria obra cinematográfica que aúna filosofía, arte, teatro y realidad.

Tradición

Planteada en 12 cuadros, haciendo referencia a lo pictórico y teatral, evidencia constantemente la existencia de una representación, rompiendo con las convenciones cinematográficas establecidas hasta el momento en el cine clásico. Como una de las grandes propuestas del momento y siendo el director uno de los máximos representantes del movimiento cinematográfico conocido como la Nouvelle Vague, la película es una clara muestra del desencanto predominante en los jóvenes de la época, que querían romper con toda una tradición, buscar nuevas maneras de expresarse y reflejar historias de personajes perdidos, en constante deambulación y cuestionamiento existencial.

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Análisis: The Neon Demon

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El cine de Nicolas Winding Refn se caracteriza por unas imágenes potentes, llenas de significado, por una dirección artística y fotográfica muy rica que se nutre de forma muy evidente del uso del color y de la simbología. The Neon Demon sigue la línea marcada por Only God forgives, su anterior film, en una contraposición constante de rojos y azules, de cálidos y fríos.

La primera escena de The Neon Demon ya nos anuncia, a través de tan solo seis planos, las líneas maestras de la película, el qué y el cómo: los temas que se tratarán – la dualidad constante a través de un mundo concreto de superficialidad –, y el modo de hacerlo – con planos cromáticos llenos de carga simbólica.

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Crítica: Mi vida sin mí

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Mi vida sin mí: brillante contradicción, latente desde el mismo título.

Vida y muerte, superficialidad y esencia, miedo y valor, sueño y realidad. Mi vida sin mí (2003, Isabel Coixet) plantea un juego constante de contradicciones para remitirnos a un punto final que no es más que el principio: la revelación de un carpe diem que nace en el silencio de la protagonista y explosiona radicalmente para transformar, de forma inevitable, al resto de personajes.

Ganadora de dos premios Goya, a mejor guión adaptado y a mejor canción, el film cuenta la historia de Ann (Sarah Polley), una joven madre de 23 años que, tras ser diagnosticada de cáncer terminal, decide ocultar el secreto y empezar a vivir, siguiendo una lista de deseos previos a la muerte. Coixet, una de las voces cinematográficas españolas más internacionales, reafirmó su estilo, su mirada y su forma de hacer cine en esta película, que le valió gran reconocimiento a nivel internacional.

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